Inglourious Basterds y el infierno del celuloide

Dudo si sea muy temprano para afirmar que Inglourious Basterds es, en lo que va del año, la película más deliciosa, poderosa, atrevida y, por lo tanto, la mejor. ¿No has ido a verla aún? Deja de leer esto, deja la computadora, deja tu silla. Compra tu boleto para ir al cine. No download, cine. Porque hay un lugar en el Hades reservado para quienes vean esta obra solo en DVD o por un Torrent.

Este post es sobre las impresiones de un momento que me dejó particularmente hipnotizado en una cinta que atrapa en su totalidad: la secuencia final en el cine.

Con Inglourious Basterds queda claro que Tarantino ha hecho una película sobre películas de la Segunda Guerra Mundial. El cine es central en el plan de venganza que es el alma de esta obra. Es solo en el cine, al que se le han sellado las puertas al mundo exterior, donde Goebbels, Bormann, Himmler, Goering y Hitler arden junto con todo el resto de la cúpula nazi, causando el fin de la guerra en 1944. La muerte los embosca en un recinto cerrado conscientemente desde fuera, como las duchas de Auschwitz, para finalmente ser reducidos a cenizas. Ojo por ojo.

Las imágenes plasman el círculo del infierno donde estos pecadores son castigados: el círculo del celuloide. Shosanna dice que es la venganza judía. Los nazis arderán por siempre en la ficción del séptimo arte y su maldad, real por encima de cualquier adaptación, los alejará de cualquier capacidad de ser redimidos. Vivirán ardiendo en la infamia, en cada película sobre la época. El combustible es el celuloide de nitrato. En el humo del incendio se eleva la enorme proyección de Shosanna, esta Ana Frank sobreviviente y confrontada con la posibilidad de devolver el golpe, que contempla a los jerarcas de la muerte y, con el rostro gigante de un Dios vengador, ríe a carcajadas.

Todos los involucrados en la venganza contra los nazis en dos planes distintos, el de los Bastardos sin Gloria y el del matrimonio cinemero, han partido con un itinerario suicida. El esposo de Shosanna se encuentra atrás del écran esperando una señal de su mujer para realizar su sacrificio. Ella y el cinéfilo alemán responsable de trescientas bajas aliadas se aniquilan mutuamente. Los dos "Bastardos" que se cuelan en el estreno, llegan al palco de honor y matan a Goebbels y Hitler. El cadáver del dictador alemán es despedazado después de su muerte por frenéticas ráfagas de metralla, desfigurándolo en la escena más gore nunca hecha con un personaje histórico. Los Bastardos portan cargas explosivas en sus cuerpos y completan el incendio de Shosanna con un acto kamikaze. La guerra se detiene un año antes de su verdadero final por una acción suicida que cambia la historia.

La escena final en el cine quedará impresa con fuego en el imaginario de nuestra generación. Y hay algo en ella que intuyo como la particular contribución de Tarantino para saldar las cuentas en el mundo de la ficcion, para compensar un episodio atroz y traumático en vez de regodearse en él. El ajusticiamento gráfico de los nazis en esta obra es a manos de los personajes que, en otros filmes, se limitarían a avanzar asustados a las cámaras de gas o enfrentarse a situaciones donde no tienen forma de contraatacar y solo pueden huir. Tarantino quizá sepa que su violencia visual aplaca animosidades en vez de causarlas.

Inglourious Basterds es la película diferente sobre la Segunda Guerra Mundial, esa gran guerra fundacional del mundo en que actualmente vivimosy sobre la que, quizá, nunca se acaben las historias para contar.

Nota aparte: Buenísima y graciosa actuación de Brad Pitt como Aldo el Apache, pero es Cristoph Waltz como el coronel Hans Landa, quien destaca en una cohorte de muchos personajes memorables. Doble mérito.

Errata: Cambié Inglorious Bastards por el verdadero título Inglourious Basterds, gracias a una observación de @breno.

Escapa

Este clip va dedicado con mucho cariño a todos aquellos que no dejan morir el espíritu de cuando eran niños. Por la ocasión del Día del Orgullo Friki, un paseo por el refugio perfecto.



Ahora vuelve a escuchar el tema con los ojos cerrados y escapa de donde estés sentado.

¡Ponyo! ¡Ponyo!

¿Qué puede motivar el ir a dormir lleno de felicidad, despertarse y seguir con una sonrisa de oreja a oreja, canturreando mientras preparas el desayuno?¿El amor por tu novia y seres queridos? ¿Un proyecto exitoso? ¿Un sol que despierta el espíritu? ¿La lotería?

Todas son razones plausibles.

Como también el ir anoche a ver la última cinta de Hayao Miyazaki: Ponyo en el Acantilado o en japonés Gake no ue no Ponyo, (2008). Miyazaki-sama me ha vuelto a sorprender. No esperaba que la película de ayer me volviera a pegar a mi asiento, dejándome boquiabierto, fascinado.

Los primeros minutos de la película no me generaron mucha expectativa, aunque sí la premisa de una historia rara. Temía que Miyazaki hubiera brindado una obra pensada exclusivamente en el público infantil con la historia de una niña medio pez, que entabla amistad con un niño de una ciudad portuaria japonesa. Y claro que ha pensado en los niños, pero también en aquellos que sobreviven en el fondo de los corazones más prácticos. De pronto todo se desborda, pero más que en el sentido dramático, en el fantástico y la idea que tienes de lo que hace exitosa una historia, con feroces conflictos internos y dilemas que destruyen el alma, vuelve a estallar como Miyazaki ya lo había hecho con su otra película de cariz parecido, Mi Vecino Totoro.

No. No es necesario volver el mundo oscuro, tocar las notas más ácidas de la existencia y razguñar las piedras para llegar a las fibras más sensibles del alma. A veces basta paz, imaginación y encanto, como entiende Miyazaki. Porque esa también es nuestra naturaleza y eso también nos cautiva, a pesar que desde el siglo XX lo artísticamente prestigioso sea solo el desgarro, la tragedia, las tinieblas y todo lo que rompe con el pasado.

La belleza pura y la dulzura han perdido lugar en el mundo y Miyazaki lucha heroicamente contra ello. No rompe con el pasado, sino que articula como siempre tradiciones, mitologías y elementos de su rica cosecha personal. En el caso de Ponyo simplifica su pincel, el detalle con que dibuja el mundo se convierte más que nunca en el de una acuarela, y los trazos con los que son contados los personajes son suaves y encantadores. ¿Es eso malo? Al contrario, son algunas de las muchas virtudes de su obra. Ponyo se permite, literalmente, surfear sobre una apabullante ola de fantasía para pegarnos con un tsunami de imaginación.

Allí están varios personajes clásicos de Miyazaki, que posee un "elenco" de rostros como si escogiera actores favoritos para volver a actuar en sus obras: las abuelas que derivan de la inolvidable Mama Yupa de Tenkuu no Shiro Rayputa o los operarios del puerto que han sido anteriormente piratas aéreos en Porco Rosso y sobre todo una versión adulta de las adolescentes princesas aventureras de Nausicaa y Mononoke Hime ahora convertida en la madre de Sosuke, el niño que se hace amigo de Ponyo.

Finalizo contando mi experiencia real saliendo del cine Renoir en Plaza España, un Martes a la 1 de la mañana. Todo el público era adulto y casi todos salieron coreando lo que captaban de la la canción del final, algunos para sí, algunos en voz alta. Es muy infantil, casi preescolar, pero solo después de ver la película se tiene la inyección suficiente de candor y despreocupación para cantarla.

Eso es Ponyo en el Acantilado, un legítimo y totalmente necesario viaje a la infancia y la fantasía.

La película de Semana Santa

Viernes Santo. Nada mejor que un texto sagrado en pantalla.



Om.

"So Say We All!" retumba en la ONU

Invitados para debatir los temas éticos y políticos que aborda la serie, los actores y productores de Battlestar Galactica asistieron a la sede de las Naciones Unidas este 17 de Marzo en una oportunidad insólita para los responsables de una serie de televisión.

Esto era algo magnífico dadas las circunstancias del final de la serie, pero no podíamos augurar la intervención de Edward James Olmos, el actor que encarna al Almirante Adama. Después que uno de los moderadores enmarcara el evento dentro de los esfuerzos de la ONU para salvarguardar la igualdad de las personas sin importar cultura, raza o género, Olmos, viejo activista social, demostró que los grandes gestos no solo son exclusivos a su épico personaje:

- Encuentro increíble que sigamos usando la palabra raza como determinante social - dijo el old man - no debieron invitarme aquí, porque no existe tal cosa como "raza".

Olmos se dirigió a los jóvenes en la audiencia y señaló que había pasado 37 años de su vida luchando para que no se distinguieran las razas, que no habían caucásicos, latinos o asiáticos.

- Solo podemos hablar de una raza, y esa es la humana. So say we all!

Y si eso no era alucinante, entonces lo alucinante.

Quedan las imágenes para testificar que no miento: la audiencia representante de las Naciones Unidas repitió So say we all!. Olmos exclamó otra vez con más fuerza So say we all! y los asistentes respondieron con la misma intensidad.

Espero que entiendan un poco del inglés, aunque no es necesario llegando al 02:50

Estoy estudiando Relaciones Internacionales y a la vez soy un furioso fan proselitista de Battlestar Galactica y admirador de Edward James Olmos. Me controlaré para no ser hiperbólico y sólo diré que no extrañaría un riñón si pudieran trasladarme en el tiempo y espacio para poder presenciar vivamente ese instante.

Adiós, Battlestar Galactica

La he recomendado encarecidamente desde hace unos años y ahora, finalizada la historia, lo hago con muchas más razones: el último episodio Battlestar Galactica ha terminado hace unas horas, poniendo punto final a una obra maestra. La serie ha durado cuatro temporadas y ha sabido terminar con gloria y tripas, tal como comenzó, tal como transcurrió.

Ha conseguido convertirse en la mejor serie de ciencia ficción jamás vista en TV y una de las mejores a nivel global. Para no hablar de sus logros dramáticos, actorales, musicales, de montaje y de producción, también puedo mencionar que fue un espejo de los fantasmas que rondaron Estados Unidos y, por contagio, al mundo occidental después del 11-S.

Battlestar Galactica, recreada en la space opera, ha reflejado con mejor fidelidad muchas más preocupaciones propias de esta década que las series contemporáneas ambientadas en una realidad más inmediata: el manejo de una catástrofe que cambia el statu quo dramáticamente, el enfrentamiento entre el poder civil y militar ante una crisis, el dilema de mantener una democracia en circunstancias adversas o dar las prerrogativas a la ley marcial, la pregunta si una forma de convivencia merece ser defendida, la ocupación de una nación, el terrorismo, y, algo que muchos no solo en Norteamérica necesitan oír, en qué lado de un combate se encuentra Dios. Battlestar Galactica está llena de oscuridad y desesperanza, de personajes que ya no pueden más con la adversidad y regularmente sucumben ante el miedo, la autoaniquilación o la ira.

Todo ello acontece en una historia a una gran distancia cósmica, tanto espacial y temporal, en tanto que series con "los pies sobre la Tierra", en mi opinión, quedan a su lado como productos más ligeros y alejados de los grandes problemas contemporáneos. Esto es otro punto para la ciencia ficción, a la postre en su versión más convencional: una aventura en el espacio exterior.

Ciertamente falta un telefilme, The Plan, complementario a la historia principal. Y una serie ambientada en una época anterior, Caprica. Aunque no pienso perdérmelas, eso no cambia que la jornada haya llegado a su fin.

El último capítulo de la serie ha sido cerrar el libro y despedir a personajes entrañables que aprendimos a querer como el almirante William Adama y su tripulación, la presidenta Roslin o Gaius Baltar y Caprica Six. También decir adiós a una vieja amiga, la nave Galactica, que nos ha llevado a tantas costas y revelado tantos puertos.

Un brindis por la Galactica. So say we all.

Mostrobujos y Seiji Yokohama

Como un arqueólogo de la nostalgia, vale la pena sumergirse en las insondables arenas del youtube y encontrar fósiles que ayudan a reconstruir nuestro pasado.

Las viejas películas japonesas de anime-terror, transmitidas en el Perú ochentero por canal 9 bajo el rótulo de "Mostrobujos", siempre constituyeron un misterio en muchas conversaciones que respondían al "¿te acuerdas de ...?". Se encontraban en un horizonte lejano, por lo menos para mis amigos y gente con la que indagué, porque para buscarlas había que tener suerte encontrando sus nombres originales en japonés.

Y para suertes, la mía.

Cuando me pregunten (habla Raúl) sobre como encontrar el Drácula de los mostrobujos del 9, puedo responder que responde al título japonés de Yami No Teio Kyuketsui Dracula (1981):



Cuando indaguen sobre aquel Frankenstein en anime que trababa amistad con una niña, puedo remitir a Kyofu Densetsu Frankenstein (1981)



O aquella triste película de dinosaurios, que es exactamente Daikyoryu Jidai (1979)



No solo tienen esa gráfica preciosa y perdida que es la del anime setentero, contemporáneo a la del clásico Uchuu Senkan Yamato ("Nave Espacial" en Perú), sino que cuentan con la música de Seiji Yokohama, uno de los mejores compositores de bandas sonoras, responsable de mucha melancolía en Capitán Harlock o ese estallido de épica y tragedia musical que hizo memorable a Saint Seiya. Gracias a ir buscando cosas inéditas de Yokohama no solo encontré que esa hermosísima voz femenina que acompaña muchos de sus temas es una sola persona: Kazuko Kawashima, sino el dato que me faltaba de los Mostrobujos.

Esperen, que no puedo despedirme sin poner alguno de mis favoritos de Yokohama



Bueno, una más. Y que no se haga costumbre.

Canal 7, 2 en vez de 16

Mis viejos camaradas del canal 7 (ahora TV Perú, antes TNP, antes ...) me informan que en la emisora estatal de TV se ha realizado un despido masivo de practicantes, en total suman 16, debido a un recorte presupuestario. Lo curioso es que justamente son los practicantes los que llevan en parte sobre sus hombros el funcionamiento del canal, y cada uno de ellos gana 550 soles, mientras que uno solo de los 12 asesores del directorio gana 8000 soles.

Y por experiencia propia puedo decir que UNO solo de los practicantes de 550 soles trabaja y se le exige igual tiempo o más que a un trabajador de planilla, y con más razón, por encima de cualquiera de los 12 carísimos y muchas veces ornamentales asesores., que, salvo raras excepciones, son expertos en cualquier cosa menos en televisión Si existe un ajuste de cinturones ¿porqué no bajar el número de asesores de 12 a 10?

Ventajas:

- Se ahorran 7200 soles más.
- Las reuniones de directorio se hacen más cortas.
- Es 100% probable que encuentren 2 asesores prescindibles que 16 "practicantes" (en realidad trabajadores con sueldo mínimo) prescindibles.

El tema viene siendo tratado también en
El Blog de la Chocla y El Útero de Marita

"Fundación" de Asimov, al cine

La noticia me impactó: la adaptación cinematográfica de Fundación de Isaac Asimov se aproxima en manos de New Line Cinema, la misma empresa que logró hacer funcionar exitosamente en la pantalla grande una obra igual de difícil como El Señor de los Anillos.

Mi ejemplar de Oveja Negra de Fundación fue el mejor obsequio que pude recibir a los 9 años. Hizo una triple diana en mi alma como seguidor de la ciencia ficción, la historia y la política. La he releído más que ninguna otra novela, ¡creo que casi quince veces! y en mi mente figuras como la de Hari Seldon, Salvor Hardin y Hober Mallow adquirieron la dimensión de héroes personales y hasta guías de comportamiento. Y porque quiero a esta obra con un celo extraordinario, me da miedo enterarme que el guionista de su adaptación será el mismo que escribió la versión de la fallida Yo, Robot para el cine, Jeff Vintar, quien es capaz de transformar el Quijote en una película de persecuciones y caballos que explotan. 

Fundación es una obra fácil de leer pero difícil de plasmar. Los personajes cambian varias veces porque abarca, solo en la primera parte de la trilogía, un lapso de dos siglos, y gran parte de la trama esta compuesta de plots políticos, religiosos, históricos y comerciales. No quiero que inventen un Hari Seldon huyendo por las alcantarillas de Trántor, o un Salvor Hardin en duelos láser con el prefecto de Anacreonte, porque quiero que quienes no hayan leído el libro se topen al menos con una buena aproximación. 

Sé que las adaptaciones pueden sorprender, pero para ello es necesario llamar a alguien que demuestre que ama la obra que adapta, como sucedió con Peter Jackson y El Señor .... Jeff Vintar, además de comerse Yo, Robot y vomitar un híbrido de Pinocho con Grand Theft Auto, se ha encargado de la versión fílmica de El Código Da Vinci, y con eso ya creo ser más claro en mis temores por lo que le pueda pasar a la obra maestra de Isaac Asimov.

Cruzo los dedos para que cambien de guionista. Le rezaré a las ruedas imparables de la psicohistoria.

Watchmen

Una de las cumbres del noveno arte en el s.XX, Watchmen, la historia de Alan Moore que le dio intestino, sangre y una cita con el sicoanalista a los cómics de superhéroes, llega al cine el 2009. Quizá el impacto me ha dejado turulato, pero este debe ser el trailer de cine más bestial que recuerde. Ya está en HD en la página oficial, pero mientras lo bajan pueden ir viendo la versión colgada en el Youtube.



Tenía mis dudas sobre la adaptación, pero el trailer me da todas las señales que se ha logrado una gran película. Con esa historia y ese storyboard que es el cómic creo que todo apunta a que llega el filme que quizá marque el punto más alto de todas las adaptaciones de superhéroes que afiebran la pantalla grande. Esperamos el 2009.

(enterado por Inti de Esquizopedia)

Chespirito: su escudo es un corazón

¿Algún otro actor puede despertar en los latinoamericanos un cariño similar al que guardamos para con Roberto Gómez Bolaños, "Chespirito"? Desde el Río Grande hasta la Tierra del Fuego, casi 550 millones de seres humanos lo llevamos como parte de nuestro software inicial. Podemos haber visto Seinfeld o Fraser, pero ninguna de esas series podría soportar la prueba de repetir tantas veces sus capítulos como los del Chavo del 8 o del Chapulín Colorado. Lograr arrancar sonrisas del mismo episodio en su décima reposición, y conseguir un rating siempre considerable por más de 35 años, con una estética de los años 70s pero unos personajes eternos, es uno de los principales méritos del arte chespiritiano.

Anoche asistí al montaje de su obra "11 y 12", dramáticamente nada del otro mundo, y cómicamente más eficiente solo en el segundo acto, pero con el gran añadido de ver al genial chaparrón mexicano y constatar que en persona es aún más hilarante y carismático que por la televisión. Me di cuenta en ese momento que Chespirito se despide de nosotros con estas últimas funciones, y que su figura llegaba a mi retina no a través de rayos catódicos, sino por tenerlo a unos cuantos metros. El genio mexicano estaba allí. El rostro de un viejo que lleva la gloria con una sencillez pocas veces encontrada nos sonrió e hizo una venia.

- Gracias por venir. Si les gustó la obra recomiéndenla a sus amigos, y si no les gustó, recomiéndenla a sus enemigos.

Toda la gente pugnaba por saludarlo y demostrarle lo querido que es aquí. Recordé 1995 y una de mis primeras conversaciones en Internet vía foro con un mexicano. Yo le decía que Chespirito era el genio más grande de la comicidad después de Chaplin (no conocía a los Monty Phyton en ese entonces), él me respondía que Gómez Bolaños era un artista menor y que en México ya no le hacían mucho caso. Quisiera ver a mi contertulio en ese auditorio y querría preguntarle qué artista en la actualidad puede recoger tantos gestos de cariño, tanta buena onda y tantos buenos deseos, no de una élite intelectual que quiere demostrar que está al tanto de lo más sofisticado, no por los seguidores de lo más pop y convencional, o por quienes se conforman con productos ramplones. No. Por todos ellos al mismo tiempo y por muchos más.

Sin importar clase social, ingreso económico, educación, ínfulas o resignaciones, Chespirito se ha ganado nuestro aprecio y no solo en países de habla hispana. Brasil, donde también es idolatrado y se conoce al Chavo como "Chaves" y a Don Ramón como el "Senhor Mandruga", me da pie a decir con seguridad que Gómez Bolaños ha ganado más gloria que su antecesor igualmente mexicano, Cantinflas, ya que el humor del último dependía de los juegos con el idioma, pero el de Chespirito de algo más grande: la identificación con la periferia. Donde haya una vecindad pobre, un niño desamparado e inocente en la misma cotidaneidad de un ama de casa clasemediera y un renegón que no quiere pagar la renta, el Chavo podrá sintonizar con el público y arrancar risas. Por otra parte el Chapulín Colorado es el héroe de quienes no escribimos la historia como ganadores, concebido para no contar con una piel de acero, una superfuerza o una armadura ultratecnológica, pero sí para ser limitado y falible como un humano, quizá un verdadero superhumano.

Chespirito, soy conciente que quizá es la última vez que pises tierra peruana, y también probablemente la última oportunidad tan certera de haberte visto de cerca y en tus cabales, haciendo bromas, tomando el pelo y arrancándome risas como cuando era un crío de 7 años en el sillón, mientras te veía tomando mi leche ENCI y comiendo mi pan con margarina, y por eso, querido tío mexicano, padrino mío, de millones de niños y hasta de algunos candidatos a vejestorio, te dedico estos bytes llenos de afecto y admiración, para que den millones de vueltas por todas las redes que conectan el mundo de los humanos y te sigan diciendo, por tu obra, tus canciones, tus personajes, por juntar a un elenco de fábula como Ramón Valdéz, Carlos Villagrán, Florinda Meza, Rubén Aguirre, Edgar Vivar y María Antonieta de las Nieves, por venir a mi ciudad para que mis compatriotas y yo podamos despedirnos de ti ...

¡GRACIAS, DIEZ MIL GRACIAS!

La izquierda según Monty Phyton

Volviendo a ver La Vida de Bryan, película de esos precursores de la comedia audiovisual contemporánea conocidos como los Monty Python, me topé esta vez no solo con el mesianismo bufonesco de Bryan, coetáneo de Jesucristo a quien los Reyes Magos visitan por error y que acaba siendo un profeta alternativo en una Judea desquiciada, sino con más tomates en la cara de otros dogmas, los de la izquierda, cuya parodia no resultaba cool para los círculos intelectuales en años tan ideologizados como 1979. 

Para eso estaban los Monty Python, para hacer un monumento al caracter monolítico y sólido de las izquierdas:

Mostrando su consecuencia en la protesta y la lucha contra un enemigo perverso e imperialista, fuente de todos los males:



Y sus medidas prácticas y efectivas contra las injusticias:



Lo que nos deja en manos de la derecha, la que tampoco te quitará la cruz, y solo te dirá que todo está bien:



Always look on the bright side of life.

Be Kind Rewind

Michel Gondry es un genio y con solo ver dos películas de su filmografía se ha convertido en mi director contemporáneo favorito. Después de tejer La Ciencia de los Sueños, ataca de nuevo con Be Kind Rewind, cinta que me gustaría ver en algún momento en la cartelera local.

Gondry saca lo mejor de Jack Black y Mos Def. Def está encargado de un vetusto videoalquiler que solo tiene cintas VHS, las que son borradas por Jack Black en un incidente electromagnético que ya configura la clave en que llega la película. Para salir del paso, y ante la imposibilidad de conseguir en corto plazo las películas que sus escasos clientes solicitan, ambos deciden rehacer las películas de una forma artesanal, "reescribiendo" así éxitos como Cazafantasmas, Conduciendo a Miss Daysi, Hombres de Negro o Rocky de la manera más artesanal y apresurada posible. 

La premisa cómica y estrafalaria da paso a una historia narrada con ese estilo preciosista, exquisito y a la vez sucio y desordenado que caracteriza a Gondry, como un niño manchado de témpera dotado de una imperfección armónica natural mejor resumida y aproximada en una palabra japonesa: wabi.

Gondry en Be Kind Rewind, reinvindica el apropiamiento popular de la cultura de dominio común, no grita sino canta a favor de las comunidades condenadas a la miseria o la extinción, abraza sus tradiciones reales y ficticias, y pega chicle en el pelo de las grandes compañías que exageran en su lucro del copyright. Y Gondry engancha, lo que es importante en el cine cuando lanza un discurso tan fuerte, desde el comienzo hasta el final de la obra.

Completan el reparto actores como Danny Glover Sigourney Weaver y Mia Farrow. No cuento más detalles para picarles la curiosidad y acaben disfrutando mejor esta gran película.

Indiana Jones y la secuela de la perdición

Anoche fui al cine a ver Indiana Jones y el Cráneo de Cristal ¿Más vale tarde que nunca?

En este caso, mejor hubiera sido nunca.

La película es mala. Un guión inverosímil (esto en una película de aventuras es decir mucho) y un Indiana Jones que sí parecía verse afectado por la edad, tejieron esta secuela que nunca debió llevarse a cabo. Las licencias fantásticas de las tres primeras partes, aquí se consideran patentes de corso para darle al espectador cualquier cosa, y que este se coma el esperpento solo porque viene acompañado con salsa Indy.

Esta cuarta entrega de Indiana Jones resultó muy ochentera en el mal sentido de la palabra. Daba la impresión de no estar ante una historia de Indiana Jones, sino ante una obra menor como La Joya del Nilo, donde Michael Douglas y Kathleen Turner salvan a un derviche sufi para encontrar un supuesto tesoro, que resultaba ser la sabiduría del susodicho derviche. La Joya del Nilo no fue mala para 1985, pero 23 años después no se puede hacer un cine con esos parámetros argumentales tan manidos. Casi me quedo dormido a media película, pues era obvio como se iba a llevar a cabo todo:

El acertijo misterioso era lo menos misterioso que se ha visto en todas las sagas de Indiana.

La villana, una Cate Blanchett a quien no se le puede echar la culpa del guión, fue una rusa genérica sin ningún añadido especial. Los guionistas de GLOW pudieron hacerla mejor con la Coronela Ninochtka, porque hasta ella tenía más desarrollo dramático que este insípido personaje. Muere en una repetición xerox del final del "Arca Pedida", pero con el tinte desparramado de una mala copia.

El hijo de Indiana Jones resulta insoportable. Era Scrappy Doo con Scooby. Era Godzuki con Godzilla. Era el Batiduende con Batman. Y sabe esgrima, porque lo aprendió de Tarzán, James Dean y Pancho Villa.

El profesor Henry Ox, el amigo-traidor-amigo-traidor ad infinitum, falla como personaje supuestamente cómico, que solo sabía recibir porrazos como en cualquier secuencia de Risas y Salsa. Traiciona a Indy, y luego en un momento ultra-What-The-Fuck de la película, dice que no es traidor y todos felices, le creen sin ningún giro de por medio. Al final resulta otra vez que es traidor. Como es ambicioso, fallece por causas naturales de su estereotipo, intentando cargar mucho oro. Lo desconcertante es la forma perturbadoramente estúpida en que muere, con guiño y sonrisa incluído.

Las marmotas y los monos en 3D haciendo gracias, parecían una cortesía del director de las Scary Movie o Una Loca Película de Esparta.

Toda la parte de la selva fue irrelevante y adormecedora. La persecución con jeeps y las caídas de catarata no conceden ningún suspenso, solo pura montaña rusa sin nada atrás. Tampoco los indios-paisaje-que-arrojan-cosas supusieron ningún problema, ni para los buenos (les basta enseñarles el cráneo, que parece el pasaje a librarse de cualquier situación: hormigas, puertas de piedra, etc.) ni para los malos, que los ametrallan a todos.

Mención aparte merece la controversia nacional sobre las inexactitudes acerca del Perú. Vamos, una cosa es que se equivoquen en nombres o detalles, o torcer un poco la historia. Bueno, vaya y pase, así es el cine. Pero, ¡por el fantasma de Túpac Yupanqui, hay límites! ¿música mariachi en el Cusco? ¿y el quechua que enseño Pancho Villa?

Creo que a cualquier peruano le puede dejar la sensación que la película mira tu propia identidad diciendo "mexicanos, peruanos, Pancho Villa, Orellana, quechúa, náhuatl, mayas, incas ... bah, del Río Grande para abajo todo es la misma carroña y no vale la pena saber más". Si bien hacer como el Canciller y pedir sabotear la película por ello es tardío y tonto, como menciona Ocram, uno sí tiene derecho a sentir que su historia y raíces merecen una mínima verosimlitud en una película de gran presupuesto. Pasa de ser anécdota pop a convertirse en una consagración de la ignorancia. Es como si yo le dijera a un gringo que Los Angeles está cruzando el puente de Brooklyn o que George Washington ganó la Guerra Civil norteamericana. Ah. Eso es falta de "cultura general". Lo que sucede más abajo, no. Y no importa esclarecerlo si no lo sabes. Somos la periferia, y la cuarta versión de Indiana Jones te restregará esa realidad en la cara.

Los momentos más absurdos de la película:

1, La muerte de Ox, que ya mencioné.

2. El ataque de los "zombies-Nazca" sin ninguna explicación por su aparición ... hey, sí, quizá una: es el Perú, es natural encontrarse con ex luchadores de catchascán mexicano que saben capoeira, visten máscaras de calavera y habitan tumbas inexploradas. Por un momento no era Indiana Jones sino El Santo contra las Momias de Guanajuato. Creo que unos personajes tan bizarros merecían un comentario de Indiana o de su Godzuki, pero nada. Así es la arqueología.

3. El OVNI enterrado en la ciudad precolombina se lo lleva todo. Démosle la mano a Erich Von Däniken, Indy, él tenía razón: esos indios brutos no podían construír pirámides ni estar atrás de ningún plot fantástico, ya que solo sirven para morar en cementerios, usar máscaras de calavera y dar patadas de capoeira.

¿Por qué el OVNI no estuvo atrás del Arca de la Alianza o el Santo Grial? Hum, eso es mitología judeo-cristiana, es de humanos. El resto de cosas maravillosas solo pudieron provenir de Zeta Retículi IV o Las Pléyades.

Y la última, la más pendeja, casi al final de la película:

4. "El tesoro que ellos tenían no era oro, sino la sabiduría". Vaaaaaaamos, ¡qué tal brainstorming para la cuarta entrega del arqueólogo! ¿cuántos millones de intis pagó Spielberg por esta adaptación chapucera de "La Joya del Nilo"?

En resumen: una decepción total. Espero que Harrison Ford no se preste para otra secuela. Ya me dio un poco de "cosa" estilo doctor Chapatín verlo como un Indiana abuelo, y además debe quedarle poca calidad de vida después de sobrevivir a la explosión nuclear dentro de una refrigeradora, en uno de los pocos momentos buenos del film donde el doctor Jones contempla directamente al hermoso-horrible hongo atómico.

Por lo menos, con semejante cantidad de radiación, no volverá a tener otro hijo como su insufrible Godzuki, Shia Le Beouf.

P.D. No he puesto la alerta de spoilers porque el estreno ha sido hace ya casi tres semanas, y además, sinceramente, no hay nada que "spoilear" cuando la película no es buena.

El Morsa hace espíritu de cuerpo con su colega
Mi compadre Raúl Chamorro reniega conmigo en El Templo de la Decepción.

Ocarina espacial del Capitán Raymar (Harlock)

He encontrado una de las primeras melodías que se me quedaron grabadas en la niñez temprana, cuyo origen era la serie de El Capitán Raymar (Captain Harlock en japonés, obra del maestro Leiji Matsumoto), saga de un pirata idealista a bordo de su nave estelar que se enfrentaba a una humanidad maligna, y que recuerdo sólo por retazos pues la dejaron de emitir cuando yo tenía 4 o 5 años.

Capitán Raymar me dejó tres regalos en esos años tan formativos: mi fascinación por la ciencia ficción espacial, mi gusto por los buques de guerra, y el recuerdo de una melodía triste que rondó en mi cabeza por años y que me la encontraba a la hora de silbar en caminatas solitarias, sin acordarme bien de donde provenía. Encontrada en ese mar abisal lleno de tesoros nombrado Youtube en las cartas de navegación, ha despertado arrulladores recuerdos de una época inocente.

No puedo hacer más que compartir con ustedes esta pequeña gema:

La memoria es el mayor tesoro de los héroes solitarios.

¡Mr. Belvedere vive! Feliz Día del Orgullo Friki

Desde épocas tan remotas como el 2006, cada 25 de Mayo se celebra el Día del Orgullo Friki. Gamers, geeks, fanboys, roleros, otakus, entre otras subespecies, alzan el rostro hacia el lánguido sol y se dan cuenta que comienzan a dominar el mundo. No debemos repetir el error de los hippies que llegaron a la madurez y nos dieron como resultado la década de los 80s: el friki debe cultivar y mantener su particular Mayo del 68, vivo en su corazón. Si no renuncias a la fantasía te darás cuenta que has hecho algo para lograr que el mundo real sea un lugar menos infeliz.

Pero, discursos conmemorativos aparte, el día se presta para homenajear nuestras (cada vez menos) extrañas aficiones. En mi caso, como sé que muchos ya le darán un lugar a StarWars, StarTrek, Marvel, la DC, el rol, la CF, el anime o a Pocoyó, quiero aprovechar para recordar una vieja serie que procuraba nunca perderme en mi niñez: Mr.Belvedere.

Admito que no tiene el glamour de Neo, la gracia del Chapulín Colorado o la invencibilidad de Chuck Norris, pero Mr.Belvedere es la sitcom que recuerdo con más cariño, por encima de todas las de su época y posteriores modelos familiares-disfuncionales con un humor más ácido. Para su época Mr.Belvedere era genial. Este remilgado mayordomo inglés en una bizarra situación laboral al servicio de una familia nuclear de Pittsburgh siempre logró hacerme reír, sobre todo en su guerra estilo gato-ratón con el niño problema de la casa, Wesley Owens. Es cierto que la serie no ha tenido una buena vejez, pero recuerdo que el último capítulo en que Mr.Belvedere se casa y se retira de su trabajo de mayordomo, me pareció casi como la muerte de Optimus Prime. Repito: casi.

Si no recuerdan el tema de la serie, he traído un par de guitarristas para el respectivo dèjá vu:



Stewie Griffin, de Family Guy, es al igual que yo, un fan de la serie:



Finalmente, el límite de la función matemática: no se si existieron seguidores verdaderamente extremos de la serie, pero para que un comercial así saliera al aire, quizá fue posible.



No. No me compraría ese kit. Feliz día del Orgullo Friki, pero nunca tanto.

Animación Soviética y nostalgia

Descubrí hace poco el blog Muñequitos Rusos y quedé fascinado. Su autora es una cubana que ya no vive en la isla, pero que comparte sus recuerdos de niñez con otros compatriotas en el extranjero, volviendo su mirada especialmente a los curiosos dibujos animados que daban en la isla, casi todos de origen soviético, húngaro o checoslovaco, y que provocaron un encuentro especial entre dos culturas muy distintas, como la caribeño-latinoamericana con la europeo-oriental, a nivel de referencias de la infancia.

La sensibilidad ruso-comunista para las fantasías infantiles era de un color muy distinto a la que más conocemos, que es la anglosajona-capitalista, un sabor especial que se perdió en parte con la disolución de la URSS. Recuerdo haber leído dos libros de cuentos para niños impresos en español en Moscú, y lo impactante de sus ilustraciones, sobre todo la historia de Aymeduele el Buen Doctor, y del Padre Oso, que evita que un cocodrilo gigante se trague el sol. Su naturaleza tan distinta hizo que los recuerde hasta ahora.


Me imagino toda una niñez criada no con Transformers ni Thundercats, sino con Pityke y Mikrobi (el robot a la izquierda), no con Tom y Jerry sino con el Lobo y la Liebre, no con Mickey Mouse sino con Cheburashka. Me imagino una sensibilidad distinta en dicha generación, y en cuestión de aficiones, una suerte de frikismo distinto a la par. Esto último lo puedo demostrar con este tema musical inspirado en el dibujo ruso de "Los Músicos de Bremen", que lo cuelgo aquí porque la melodía no sé porque me provocó una melancolía de algo no vivido.



Encontré además un artículo, el último que ha publicado el blog, que tristemente parece que ya no se actualiza, sobre la ratita Violeta, uno de los programas más extraños que ví alguna vez en canal 7 (junto con el sicodélico Gato de Henry). Recuerdo su fuerte acento español y además que para ser un show de títeres inocentes, pasaban muchas cosas fuertes y dramáticas.

El blog tiene además el buen gusto de no tocar temas políticos, tan inevitables en otros espacios de discusión sobre Cuba. Nos recuerda que cuando volvemos a la infancia no hay gorilas ni caviares, no hay fachos ni rojos, solo niños.

Visiten Muñequitos Rusos.

Capitán Memo viene a Lima

¿No lo conoces? Capitán Memo es el autor y la voz de muchos de los temas musicales de los dibujos animados de nuestra niñez: El Vengador, Fábulas del Verde Bosque, Angel, He-Man y entre otras, el opening del recordado Festival de Robots ...



Y según El Comercio, Capitán Memo cae por Lima en Junio. ¡Ataque de nostalgia incoming! No hay vuelta que darle ... vao.

Ciudadano: ¡Haz un comercial falso para Watchmen!

La noticia llega por Wired: Zack Snyder, el director a cargo de la adaptación cinemera de Watchmen, (es un pecado no leer este comic en la era de la Mulita), ha convocado a la comunidad Youtube a elaborar su propio comercial de un producto que no existe, para que posiblemente aparezca en la película. El comercial debe ser de la estética dominante en los 80s, y debe vender algún producto de la ficticia Veidt Enterprises.

En palabras del propio Snyder:




Según el canal Youtube de Watchmen:

"...Remember, the movie is set in 1985, so TV commercials should be in 4:3 aspect ratio (so it looks like standard TV, not widescreen) and they should be either 15, 30 or 60 seconds in length. The products are all made by "Veidt Enterprises," and you can download the product logos for your use as well.

Make your TV commercial in NTSC standard definition (720x486) or higher resolution, upload it, and then others can vote on your work. The contest ends on June 2, 2008. The 40 finalists will win signed posters from Zack Snyder. The top five finalists from user votes will win High-Definition Canon Vixia HG10 camcorders. Up to 20 of Zack's favorite finalists will win $1000.00, and have a chance to be included in the WATCHMEN feature film itself..."

Esto es explotación 2.0, pero qué demonios, ¿acaso no estoy al borde de la combustión espontánea con la mera idea de ver mi comercial en esa película? Manos a la obra.

System of a Chavo

La Chilindrina es una artista versátil y Kiko no solo sabe tocar "las 24 horas de Zabludosky", mientras que el Chavo por cada golpe que le cae, se vuelve más hardcore. La prueba definitiva en este genial video, visto en El Morsa. Con ustedes: System of a Chavo.



Estoy convencido que Chespirito se adelantó a su época. El Chavo y el Chapulín son los ejemplos extremos de los capítulos que se pueden ver una y otra vez. Y no solo eso, Chespirito SÍ ESTUVO al corriente de la vanguardia musical. El tema de apertura del Chavo, así como parte de su banda sonora, pertenecía nada menos que a un músico experimental de la época, Jean Jacques Perrey. ¡Bájenlo de la Mulita, grumetes!

A propósito, Chespirito viene Lima en Julio, para presentar su obra teatral "11 y 12". Será un pecado mortal perder la oportunidad de verlo.